Die eindrucksvollen Skulpturen der Khmer

Als eindrucksvolle Konstante durchzieht die Werke der Khmer-Bildhauer jenes großartige Formbewusstsein, dieser enorme Abstraktionsgrad in der Figurenauffassung. Sie hatten ein sehr starkes Gespür für Körperlichkeit.
Nur auf den ersten Blick wirken die Köpfe sehr naturnah. Tatsächlich ist die Wiedergabe aber alles andere als eine schlichte Wiederholung des in der Natur beobachteten Gegenstands. Vielmehr "übersetzen" die Künstler die gesehenen Formen mit großer Entschiedenheit in eine ornamentale, gewissermaßen abstrakte Formensprache.
Die Khmer lösen sich nicht in derselben Weise radikal vom Naturvorbild wie das etwa die Holzschnitzer aus Afrika oder Ozeanien getan haben. Ihre Götter und Göttinen sind weit weniger expressiv und fantastisch als deren Geister und Dämonen.
Aber sie strebten auch nicht nach jenem Naturalismus, der seit der griechischen Klassik einen Großteil der Epochen der europäischen Bildhauerei bis zum Beginn der Moderne bestimmte.

Betrachtet man etwa den "Bodhisattva" (rechts) von Nahem und ganz genau, erkennt man vor allem bei den Details wie der Gestaltung der Augen (perfekte Kugeln, die durch verschiedene konzentrische Kreise gegliedert sind) oder auch des (wie bei allen Khmer-Köpfen) von einer ornamentalen Linie umzeichneten Munds, den von mir beschrieben Abstraktionswillen.
Besonders eindrucksvoll sind auch die hauchzarten und mit äußerster Präzision eingravierten Lienen, die Falten unter den Augen oder am Hals andeuten sollen.
Die Spannung zwischen der weichen und unmittelbar den Proportionen und Verläufen der menschlichen Natur abgeschauten großen Form von Körper, Hals und Kopf und der kühlen geometrisierenden Abstraktion im Detail – sie macht den großen Reiz dieser wunderbaren Kunstwerke aus.

Das alles hat sich kein einzelnes Künstlergenie ausgedacht, sondern es ist in einem langen, langsamen Prozess entstanden.
Wir wissen nicht viel über die Bedingungen und über den sozialen Status der "Künstler", die diese Werke geschaffen haben. Sehr wahrscheinlich gab es auch unter ihnen besondere Begabungen, die sich einen Ruf erarbeitet hatten und die vom jeweils reichsten oder mächtigsten Auftraggeber zum Dienst verpflichtet wurden.
Noch wahrscheinlicher ist es aber, dass sowohl diese Auftraggeber als auch die Schaffenden selbst verwundert die Köpfe geschüttelt hätten, hätte man sie mit unserer modernen Vorstellung von Kunst und Künstlertum konfrontiert, die von der Idee ausgeht, dass große Kunst als Ausdruck einer besonderen individuellen Persönlichkeit entsteht.
Auch die Idee dass Kunst sich immerfort erneuern muss, weil sie sonst in Wiederholung erstarrt und dadurch automatisch degeneriert und nach und nach schwächer werden muss, wie sie sich seit der italienischen Renaissance in unseren Köpfen festgesetzt hat, wäre den Khmer (wie den allermeisten Vertretern großer Kulturen der Menschheitsgeschichte) ganz und gar abwegig erschienen.

Ich habe mich in den vergangenen Jahren oft und intensiv mit diesen uns prägenden Kunstvorstellungen auseinandergesetzt und auch in diesem Magazin in den vergangenen 12 Monaten seines Bestehens immer wieder darüber geschrieben und sie problematisiert. Ich will diesen Beitrag nutzen, um das, was mich da umtreibt, noch einmal zu erläutern.

Jeder der mich ein wenig kennt weiß, wie sehr ich die Werke der europäischen Kunstgeschichte liebe, die durch jene Idee von Kunst hervorgebracht wurde. Auch die Geschichte der modernen Kunst finde ich sehr aufregend. Ich bin mit ihr aufgewachsen und von ihr geprägt worden. Vieles daran ist großartig und in gewisser Hinsicht einzigartig. Je länger ich mich aber mit der Kunst beschäftige und wenn ich mich darum bemühe den engen eurozentristischen Blickwinkel zu weiten, desto klarer meine ich zu erkennen, wie relativ und in gewisser Weise willkürlich die Kunstvorstellungen, die die allermeisten von uns verinnerlicht haben, doch in Wahrheit sind.

Aber genau das ist doch eine Errungenschaft der europäisch-westlichen Kunst- und Kulturgeschichte, dass sie ständig hinterfragt hat, dass sie sich (und die Vorstellungen von der Kunst) permanent erneuert hat und dass sie spätestens mit Beginn der Moderne keinerlei Dogmen mehr hat gelten lassen! (Mag ein engagierter Leser oder eine aufmerksame Leserin an dieser Stelle einwenden.)
Das ist scheinbar richtig – und doch stimmt es nicht ganz.
Es gibt doch Dogmen, die weitgehend unhinterfragt seit ein paar Jahrhunderten, vor allem aber seit dem Aufbruch in die Moderne in den Köpfen praktisch aller Menschen, die sich mit Kunst beschäftigen, festsitzen (und übrigens auch in die entsprechenden Gesetzestexte zum Thema eingegangen sind).

Zwei Vorstellungen sind es vor allem:
Dass Kunst das Produkt und der Ausdruck der kreativen Energie eines Individuums ist und dass Kunst immer hinterfragen, aufbrechen und dass sie sich dadurch beständig erneuern kann und muss.

Diese Ideen haben den Boden für eine enorme Zahl spannender Dinge bereitet – ohne jeden Zweifel.
Zugleich haben sie uns diese permanente Rast- und Orientierungslosigkeit beschert, die (wie unsere Gesellschaft überhaupt) auch die Kunstwelt bestimmt. Man kann mit einigem Recht daran zweifeln, dass die Vorteile die Nachteile wirklich überwiegen.
Aber es geht mir nicht darum, darüber zu entscheiden oder gar nostalgisch eine vergangene, scheinbar heilere (Kunst-)Welt wieder heraufzubeschwören. Wichtig ist mir etwas anderes:
Wenn ich den Blick weite und mir vorurteilsfrei das Exzellenteste aus allen Welten, Zeiten und Kulturen anschaue, kann ich einfach beim besten Willen nicht feststellen, dass Kategorien wie "Erneuerung" und/oder "Individualität" in irgendeiner Weise notwendige Voraussetzung für die Hervorbringung hervorragender Kunsterzeugnisse sind. Wenn wir das meinen, dann erliegen wir entweder den Glaubenssätzen unserer Zeit oder aber wir verwechseln Exzellenz (Qualität oder welche Vokabel auch immer man bevorzugt) mit Spannung, Aufregung und Unterhaltsamkeit.
Wenn uns das wichtig ist, müssen wir natürlich in moderne Kunstmuseen gehen. Dort ist ständig Aufregendes und Unterhaltsames geboten.
Um kein Missverständnis aufkommen zu lassen: Ich bin dafür durchaus empfänglich!
Aber jedes mal wenn ich wieder im Musée Guimet bin (und ich gehe eigentlich jedes Mal dort hin, wenn ich wieder nach Paris komme) bin ich erregt angesichts der Dichte und der qualitativen Höhe und Feinheit dessen, was ich da sehe und ich fange immer wieder an zu zweifeln, ob wir wirklich einen guten Tausch gemacht haben.
Ganz sicher aber bin ich mir dann, dass Individualität und permanente Erneuerung eben KEINE notwendige Voraussetzung für große Kunst sind. Das sind Dinge, die ein marktwirtschaftlich funktionierender Kunstmarkt benötigt und eine kulturelle Unterhaltungsindustrie. Keinesfalls sollte man das aber mit einer Art "Grundgesetzlichkeit" der Kunst an sich verwechseln.

Das Bild links zeigt noch einmal den großartigen Porträtkopf, das den letzten großen Khmer-.Herrscher, König Jayavarman VII., darstellt. Er regierte von 1181 bis 1206 (möglicherweise aber auch bis 1220). Anders als seine Vorgänger war er ein Anhänger der Buddhistischen Religion. Auch deswegen erweitert er die Hauptstadt weiter nach Norden und baut mit Ankor Thom auch einen neuen großen Tempelbezirk, der vor allem für seine meterhohen Gesichtertürme berühmt ist.
Mit ihm endet die große Blüte der Khmer-Kultur und es folgt eine lange Phase des langsamen Niedergangs.
1431 erleidet das Volk der Khmer eine vernichtende Niederlage gegen die benachbarten Thai.
In der Folge verlassen die Khmer-Herrscher Ankor Wat und verlegen die Hauptstadt in den Süden, in die Region des heutigen Phnom Penh.